La XXXIV edizione del Festival Catonateatro

Grande attesa per questo spettacolo, sia perchè si tratta del debutto nazionale, sia perchè per la prima volta sarà in scena la coppia Bova – Morales, coppia anche nella vita.

“Love letters” è “un gioco. Un gioco di parole. Un gioco d’amore. Un’opera senza tempo, perché quando si scrive di amicizia, di passioni, di relazioni amorose, di paure, di vita, il “momento” si ripete, come riflesso in mille specchi. Dove ognuno si può riconoscere.

E’ per questo che la regia ha scelto di incastonare questa storia in un “luogo non luogo”. Domina il bianco. Come in una nuvola. Come immersi in un sogno. Tutto è reale ma niente lo è. Dando spazio alle parole e al gioco tra i due protagonisti. Una storia che attraversa quarant’anni di vita di Andy e Melina; una storia fatta di desiderio l’uno dell’altra, del non ritrovarsi a vivere lo stesso momento, del rincorrersi in un girotondo continuo, di un amore profondo e sincero. Un ballo continuo di parole che attraverso immagini evocative, gioco estetico, giri di danza rappresenteranno i loro incontri. Raoul e Rocio condurranno lo spettatore in una giostra di emozioni fatta di leggerezza, ironia, trasporto, sofferenza e desiderio. Una storia che fa sorridere e che commuove, perché l’amore è così: un sali e scendi. La musica sottolineerà i momenti salienti con un tema portante: Over the Rainbow: “Oltre l’arcobaleno””.

“La direzione artistica è del Teatro del Drago/ Famiglia d’arte Monticelli che proprio nel 2019 festeggia i 40 anni di attività (i Monticelli rappresentano  oggi la quinta generazione di Marionettisti e burattinai, fra le famiglie di spettacolo dal vivo più antiche d’Italia). Un bel compleanno per una edizione che, proseguendo il lavoro iniziato nel 2018, porta come sottotitolo la parola GENER-AZIONI,  (produrre e mettere in moto azioni e omaggiare le generazioni  delle Famiglie d’arte) “.

Cinquanta gli appuntamenti previsti: “spettacoli per bambini  con coinvolgimento delle scuole, per famiglie e anche per adulti, alcune anteprime nazionali come “Vita d’Ombre” della compagnia Le Strologhe, sostenuto da un progetto di residenza artistica a Taiwan (giovedì 23 Maggio ore 22 Artificerie Almagià)”. E ancora, ““Pupazzi d’amore” presentato dalla giovane compagnia all’Incirco (sabato 25 maggio ore 18 Artificerie Almagià)  e “Pinocchio in 7T” della compagnia Ravennate Drammatico Vegetale (domenica 26 maggio ore 18.30 Artificerie Almagià).

Moltissime nuove produzioni come “Gianni e il Gigante”, terzo capitolo della trilogia Storia sulle spalle del Teatro Delle Briciole di Parma (sabato 25 maggio ore 21) e WOW, prima regia di Beatrice Baruffini ( domenica 26 ore 10); Il Cerchio magico di Prospero coproduzione Attic Rep/ Teatro del Drago ( mercoledì 22 ore 20,30); il Principe e il Povero del Granteatrino Casa di Pulcinella (mercoledì 22 Maggio ore 16,30) ; Terra chiama Tommy di Politheater (sabato 25 ore 16,30); Scuola di Magia del Teatro Verde (venerdì 24 ore 21); Un soldatino , di Tieffeu /Micro Teatro Terrà Marique (ore 10,45 mercoledì 22 maggio)

Compagnie  per la prima volta in Italia come le  francesi Mains Fortes e Nomorpa che porteranno rispettivamente “Haut Bass” e “Tourne Vire” , due delicati spettacoli adatti anche ai più piccoli e due spettacoli finalisti della rete di sostegno del teatri emergente Italiano  IN BOX  “Maze” della Compagnia tutta al femminile “Unterwasser” ( martedì 21 Maggio ore 21) e “la Classe” di Fabiana Iacozzilli/ CrAnPi – quest’ultimo è stato anche scelto per aprire “Anni luce_osservatorio di futuri possibili”, lo spazio dedicato nell’ambito del RomaEuropa Festival alla scena teatrale emergente italiana tra sperimentazione e nuovi linguaggi artistici (domenica 26 Maggio re 21.00).

Spettacoli vincitori di numerosi premi internazionali come “Creatures particulares” dell’Argentino Roberto White  che ha costruito marionette con materiali di recupero come sportine della spesa ( Giovedì 23 maggio ore 17.30).

Al Festival anche l’ultimo rappresentante del Teatro Viaggiante il grande Titino Carrara che porterà il suo nuovissimo progetto “la Buca del Diavolo” ( Giovedì 23 maggio ore 18.30 Artificerie Almagià).

In cartellone alcuni classici intramontabili come “l’Acqua miracolosa”  della Famiglia Niemen  “Le avventure di Fagiolino” de I burattini di Mattia e “Fagiolino e Sandrone” della Famiglia Monticelli , “Il sogno di tartaruga” del Baule Volante e la compagnia italiana eccellenza nel modo per il Teatro delle Ombre : Teatro Gioco Vita con lo spettacolo “Io e niente” ( venerdì 24  ore 11)

Al Festival anche un omaggio alla grande Maria  Signorelli  grazie alla presenza delle Figlie Maria Letizia e Giuseppina Volpicelli;   per l’occasione verranno proiettati alcuni video inediti e rappresentata una conferenza spettacolo dal titolo “la Tessitura Magica” (22 maggio Almagià ore 15.30).

Sulle famiglie d’Arte italiane di burattinai,  marionettisti e pupari verterà  il Convegno di interesse internazionale “in Viaggio, storie e visioni dalle Famiglie d’Arte di Spettacolo”. Il Convegno sarà aperto dal Prof. Guido di Palma, Presidente della Commissione Consultiva per il Teatro del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, e Claudio Leombroni, dell’Istituto per i Beni Culturali della Regione Emilia Romagna”.

Inoltre,  la Mostra a Palazzo Rasponi dal titolo “La dote di Famiglia”, “una mostra inedita, unica nel suo genere, produzione del Festival Arrivano dal Mare!, che vedrà insieme per la prima volta  marionette, burattini e pupi di alcune delle Famiglie d’arte di spettacolo dal vivo che hanno fatto la storia del Teatro italiano di tradizione e molti pezzi che  ancora oggi calcano le scene secondo una continuità,  di generazione in generazione: Marionette Lupi, Gambarutti, Colla, Grilli, Accettella, Monticelli, Pupi di  Cuticchio e Napoli, burattini dei Ferrari, Niemen, Corniani, Spinelli,  di Gigliola Sarzi, Otello Sarzi e Maria Signorelli.

Avere spostato il Festival da Settembre a Maggio ha permesso alla direzione artistica  di attivare un nuovo lavoro di collaborazione con le scuole, una grande opportunità per i bambini e le bambine di Ravenna di potere godere della magia, dei colori e dello stupore che solo il teatro di figura sa regalare.

Gli spettacoli si svolgeranno dal centro città alla zona della Darsena in una linea continua che porta al mare…d’altronde….Arrivano dal Mare!

Teatro Rasi, Palazzo Rasponi, Piazza Kennedy, Artificerie Almagià, Autorità Portuale, il Mag, Museo la Casa delle Marionette e la Rocca Brancaleone saranno il palcoscenico degli spettacoli e degli incontri , un modo per fare conoscere una vivace zona  della città al numeroso pubblico del Festival”.

Cinque saranno le rappresentazioni che andranno in scena alle ore 17:30. Ogni artista si esibirà una volta al mese – a titolo completamente gratuito – con uno spettacolo le cui tematiche saranno nel rispetto del luogo e delle circostanze in cui ci si trova. Gli spettacoli non avranno una durata superiore all’ora e sono strettamente pensati per i degenti della struttura, i loro familiari e il personale dell’Equipe di cura.

In particolare, ecco il programma delle iniziative organizzate:

Mercoledì 15 maggio “Napoli Suite”, di e con Vincenzo Mercurio e Mariangela Berazzi, compagnia Teatro Proskenion, Reggio Calabria;

Venerdì 21 giugno, “Canzone” di e con Nino Racco, compagnia Piccolo Teatro Umano (RC);

Mercoledì 10 luglio, Lorenzo Praticò in “Proiettili”;

Mercoledì 7 agosto, “Amore love Psiche”  di e con Anna Calarco, regia di Gaetano Tramontana, produzione SpazioTeatro, Reggio Calabria

Mercoledì 11 settembre “A.A.A. Mor” con Ciccio Panza e Maria Dolores, regia di Santo Nicito, Compagnia Fuoco&Clownerie, Cosenza.

Peter Pan il Musical

“Con Peter Pan Il Musical, grazie agli spettacolari effetti speciali che richiedono due giorni di allestimento, il pubblico vedrà Peter Pan volare per davvero! Un musical in grado di coinvolgere adulti e bambini, da un lato rievocando la magia della fantasia e, dall’altro, coinvolgendo i più grandi con la musica di Bennato.

“Il rock di Capitan Uncino“, “La fata“, “Viva la mamma” fino a “L’isola che non c’è” sono solo alcuni dei celebri brani parte integrante di questo Musical tutto italiano e di grande successo”.

Le coreografie sono firmate da Rita Pivano, la direzione musicale da Davide Magnabosco, mentre il disegno luci è di Amilcare Canali. Direzione voci e coro di Alex Procacci. Grande il cast di attori, cantanti e ballerini: Giorgio Camandona (Peter Pan), Emiliano Geppetti (Capitan Uncino), Martha Rossi (Wendy), Jacopo Pelliccia (Spugna), Raffaella Alterio (Micheal), Ilaria Antinori (Pennino), Samantha Bellaria (Bombolone), Giuseppe Brancato (John), Simone Carbone (Pirata/Indiano), Marco Di Palma (Pirata/Indiano), Valeria Ianni (Gemello), Luca Laconi (Pirata/Indiano), Federica Laganà (Gemello), Christian Maesani (Pirata/Indiano), Silvia Scartozzoni (Giglio Tigrato/Mamma), Viola Zanotti (Pochino).

“Tra rock, letteratura e filosofia, Peter Pan Il Musical riunisce in due ore e quaranta minuti di spettacolo i magici personaggi di James Matthew Barrie che, con “Peter e Wendy”, romanzo del 1911 ambientato nei giardini di Kensington, ha creato un mito ancora oggi attualissimo capace di toccare tante sfere della nostra società: da quella psicologica a quella filosofica, entrando pure nel mondo della musica grazie a Edoardo Bennato e il famosissimo album “Sono solo canzonette”, che ha consacrato Peter Pan e tutto il suo mondo nell’olimpo della musica non solo italiana.

Spugna e tutta la ciurma sono grotteschi nella loro cattiveria, comandati da un pirata egocentrico e narcisista ma a tratti quasi misericordioso, Giacomo Uncino, ossessionato dal tempo rappresentato dal Coccodrillo che un giorno divorò la sua mano insieme ad una sveglia. Non sono da meno i diversi personaggi femminili: Wendy, Trilly e Giglio Tigrato, eternamente innamorate del giovane Peter Pan, sono in realtà donne dalla forza incredibile, capaci di sacrificare anche se stesse in virtù dei loro ideali. Peter Pan, il ragazzo che non voleva crescere mai, non cresce mai davvero ed è sempre vivente, che sia fiaba o realtà.

A confermare la sua eterna fama sono le 950 repliche dal 2006 e i prestigiosi premi ricevuti, come il Premio Gassman e il Biglietto d’Oro dell’Agis in varie stagioni, che hanno contribuito quest’anno al suo debutto all’estero. Uno straordinario spettacolo che, con la sua avvincente storia, i numerosi costumi, luci ed effetti speciali da autentica fiaba, nei suoi dodici anni di record ha incantato più di 800 mila spettatori”. 

“Ma quando il percorso creativo sembra concluso – continua Manfrè -  ecco che il capolavoro si anima ai nostri occhi ed improvvisamente la storia si fa strumento di indagine spingendoci nel vortice di una appassionata  indagine psichiatrica che, con la sua freddezza, ci riconduce al punto di partenza : la vicenda di Santuzza e Turiddu altro non è che un comunissimo e gelido fatto di cronaca. La commistione dei vari elementi attraverso i quali il racconto può essere letto ci sembra possa regalare, alla nostra operazione, anche la possibilità di creare un clima emozionale che dovrebbe conferire allo spettacolo un motivo di coinvolgimento totale del pubblico. All’inizio dello studio del progetto, secondo le nostre intenzioni, lo spettacolo avrebbe dovuto essere, a tutti i livelli, sostenuto da una produzione di ampio respiro con strutture scenografiche di forte impatto spettacolare, sui canoni di quelli indicati dalle migliori produzioni liriche. E questo rimane. Inoltre, poiché la prima parte, quella di impianto realistico, sarà realizzata secondo tradizione, si renderà necessario popolare la scena, senza risparmio di figurazioni e figurazioni speciali, con dovizia di particolari (costumi e luci) che immergano lo spettatore in un sogno simile a quello che il melodramma realizza per amanti di quel genere”.  Per quanto riguarda gli attori,  Manfrè sottolinea la scelta di fare “riferimento alle nostre prime produzioni a vocazione decisamente meridionale, si basavano su attori del territorio, alcuni anche molto giovani. Tutti i maggiori Teatri di produzione italiani del resto hanno giustamente cambiato politica puntando sui giovani, questo discorso noi lo abbiamo sperimentato di persona con la stagione in corso al Teatro Cilea, penso ad esempio al grande allestimento Shakespeare in Love del Teatro Brancaccio che abbiamo ospitato in Dicembre, ma anche a tanti altri di questi ultimi tempi”.

“Volendo la produzione aprire un dialogo con forze nuove del teatro italiano”, la Polis ha, dunque, deciso di indire una serie di provini aperti ad attori professionisti dai 18 ai 40 anni, ambosessi, che si svolgeranno presso il Teatro Cilea di Reggio Calabria l’11  maggio. Per tutte le altre informazioni è a disposizione la mail della produzione, info@catonateatro.it.

Arena, Polimeni e Barilla (Foto Marco Costantino)

Quando già una lettura scenica rende appieno l’emozione di un testo, di un’interpretazione e fa intravedere quella che potrà essere la sua completa trasposizione teatrale: un protagonista pienamente dentro il personaggio, una musica che sottolinea, o meglio integra perfettamente il linguaggio e il testo, e una drammaturgia che cresce, si sviluppa nella sua intensità, nella sua forza, lungo tutto il racconto. “F-Aida. Eppur cantava ancora”, il nuovo lavoro di Salvatore Arena e Massimo Barilla, debutterà la prossima estate: ma già il reading proposto nel corso dell’Horcynus Festival ha coinvolto il pubblico e fatto comprendere le potenzialità di un testo forte, denso.

Foto Marco Costantino

Una storia sull’”impossibilità della metamorfosi personale e sociale in contesti estremi”; in cui , dunque, il percorso del singolo si interseca con il contesto familiare, ma anche esterno; in cui i piani, personale e sociale, si sovrappongono, anche a livello scenico, ed in cui i richiami musicali, pure nel titolo, non sono certo casuali. L’opera, il melodramma, fa da riflesso, da riferimento, da specchio di situazioni che si ripetono. Inserti musicali – curati ed eseguiti dal vivo da Luigi Polimeni  – che sottolineano una vicenda umana e sociale drammatica, forte, ma che nasce da sentimenti altrettanto forti, primo fra tutti l’amore e la ricerca di se stessi.

Foto Marco Costantino

Musica, testo e poi un’interpretazione, come sempre, intensissima: è più di una lettura scenica, come si diceva, quella che Salvatore Arena fornisce sul palco del Cine Teatro Metropolitano. L’attore e drammaturgo sembra, infatti, già pienamente entrato nel personaggio e riesce a fare entrare il pubblico – pur nell’assenza ancora di scene – nell’ambientazione, nel racconto, nella storia e soprattutto nelle emozioni, nei contrasti, nelle sensazioni che questo testo evoca.

Dunque, grande interesse e curiosità nel vedere nella sua messinscena questo nuovo lavoro.

Franco Branciaroli sarà l’attore principale nei panni di Jean Valjean, che darà voce all’opera di Victor Hugo, guidato dalla regia di Franco Però, su adattamento di Luca Doninelli. Con lui: Alessandro Albertin, Silvia Altrui, Filippo Borghi, Romina Colbasso, Emanuele Fortunati, Ester Galazzi, Andrea  Germani, Riccardo Maranzana, Francesco Migliaccio, Jacopo Morra, Maria Grazia Plos, Valentina Violo.

Portare I miserabili su un palcoscenico è un’impresa sicuramente temeraria, e si trema davanti a  «millecinquecento pagine – ha sottolineato Luca Doninelli, che ha accettato la sfida dell’adattamento – che appartengono non solo alla storia della letteratura, ma del genere umano, come l’Odissea, la Divina Commedia, il Don Chisciotte o Guerra e Pace».

L’idea nasce da Franco Però: «Un’importante induzione verso questa scelta – spiega – viene dal momento che stiamo vivendo nelle società occidentali, dove si assiste all’inesorabile ampliarsi della forbice fra i “molto ricchi” e i “molto poveri”, fra chi è inserito nella società e chi invece ne è ai margini. C’è un’altra considerazione: il pubblico, a teatro, sembra sempre più attratto da operazioni legate alla narrativa. La narrativa sulla scena è un medium che permette anche di attrarre fasce non abituate a frequentare le platee, trattando argomenti dal valore universale… Naturale dunque guardare ai grandi romanzi. Poi subentrano le passioni, le vicinanze culturali che ognuno possiede, da qui I miserabili, che – concordo con il recente parere di un critico francese – è forse il romanzo più famoso che esista in occidente, ma che pochissimi hanno letto per intero, tanto è imponente».

È però anche un’opera capace come rare di parlare al nostro tempo: « Un giorno, durante le prove, mi suonava strana la battuta di uno dei giovani rivoluzionari e ho riguardato il romanzo, certo che ci fosse stato qualche aggiustamento drammaturgico: sembrava scritta nel ’68. Invece Luca Doninelli aveva preso esattamente la frase di Hugo, che continua a stupirci e  impressionarci per queste sue assonanze con l’attualità, per la capacità di affrontare temi  diversissimi, di mettere assieme momenti alti e momenti bassi ».

«Ogni personaggio – osserva il regista Franco Però – è quasi protagonista di un proprio romanzo all’interno de I miserabili, ogni attore ha un ruolo fondamentale … come Jean Valjean. Un personaggio “monstre” che aveva bisogno di un attore altrettanto “monstre”: Franco Branciaroli. Diverse ragioni mi hanno indirizzato a lui… Ho messo in rapporto la sua bravura, la sua generosità e la sua capacità di essere “fuori dalle regole”, fuori dagli schemi… com’è Jean Valjean che è tutto: un santo e anche un vero galeotto».

Un lavoro che l’attore definisce un percorso avventuroso quello sul romanzo di Hugo e sul “suo” Jean Valjean: «Uno strano santo – dice Franco Branciaroli del suo personaggio – una figura angelico-faustiana. Il ritratto di un’umanità che forse deve ancora venire».

“Terza delle opere teatrali della “Trilogia Gioachimita” dedicate a Gioacchino da Fiore, “Il Dono del Male” è ispirato all’incontro realmente avvenuto a Messina nel 1190,  in cui Riccardo I d’Inghilterra, detto Cuor di Leone, e Filippo II di Francia hanno voluto incontrare l’abate per avere una profezia sulla crociata che avevano intrapreso.
Nel Medioevo l’immaginario collettivo era gravido di presenza divina e demoniaca in egual misura. Adriana Toman ne offre una lettura che fa capire come ci possa essere stato un falso storico nel resoconto tramandato dal biografo di Riccardo, Ruggero da Hoveden. Il documento, in latino, descrive un Gioacchino che benedice la crociata, cosa che l’abate florense non avrebbe mai fatto, considerata la sua assoluta e dichiarata disapprovazione verso questo genere di imprese, a cui la Toman fa dire: “La Pace in terra è un progetto non un sogno”. Questo è il presupposto da cui parte l’opera, che si propone di descrivere come probabilmente sono andate in realtà le cose: Gioacchino condanna la crociata e sconsiglia i regnanti dall’affidarsi a truppe mercenarie per affrontare lo scontro col Saladino in Terra Santa.
Sprezzante e senza mezzi termini descrive le reali motivazioni della guerra, biasima i due sovrani alleati, li inchioda ai loro limiti e li scoraggia dal portare la guerra in Terra Santa, anche se benedetta dal Papa”. “Provocatorio e senza remore, Gioacchino descrive i metodi affinati dal male per condizionare la storia, anche attraverso le azioni dei regnanti stessi. Riccardo non accetta le valutazioni di Gioacchino e lo minaccia di morte. Lo spettro di una strumentale accusa di eresia e di una possibile morte sul rogo pervadono la scena. Ma la vendetta del sovrano inglese è più sottile: una volta che l’abate lascia la scena, Riccardo  manipola la realtà dei fatti disponendo che venga redatto un verbale dell’incontro rispondente alle proprie esigenze.  Un modo per uscirne vincitore e soprattutto senza martiri che possano offuscare la sua immagine: una fake ante litteram che il diabolico monarca inglese giustifica abilmente dicendo che “…rispetto alla verità, la menzogna è assai più utile alla vita”.
Il ruolo di Riccardo è affidato a Francesco Antonio Conti, mentre quello di Filippo II di Francia è affidato a Umberto Silani. Mariana Lancellotti veste i panni di Giovanna d’Inghilterra, sorella di Riccardo, mentre il ruolo di Giacchino da Fiore è stato disegnato dall’autrice su Marco Silani.

I costumi sono di Essa Kuyateh, un giovane stilista del Gambia, trapiantato in Italia. La scenografia è curata da Pino Procopio. L’allestimento, inserito nel progetto “ Dialoghi Mediterranei”,  è realizzato in collaborazione con la Fondazione Lilli ed inserito nella programmazione di “L’Altro Teatro” per il Teatro Rendano, sostenuta dalla Regione Calabria.

Dopo “Rugantino” e “Il Marchese del Grillo”, Enrico Montesano ha voluto portare sulle scene, a chiusura della trilogia dei più popolari personaggi romani, “Il Conte Tacchia”.

“Conte Tacchia” è il soprannome affibbiato a Francesco Puricelli per via della sua professione di falegname e la sua mania di puntellare mobili e oggetti traballanti con una zeppa di legno, in romano appunto detta “tacchia”.

La versione in commedia musicale, liberamente tratta dall’omonimo film, racconta la lunga e tormentata storia d’amore tra Fernanda e Checco dal 1910 fino al 1944.

Mentre nel film si raccontano prevalentemente le ambizioni del popolano romano che anela a migliorare la sua condizione sociale, nella commedia musicale tutto gira intorno alla storia d’amore. Particolare attenzione è stata rivolta alla ricerca storica, cercando di riproporre fedelmente l’Italia e la Roma dei primi del ‘900, ed alla ricerca filologica che, nella fattispecie, si traduce nell’uso di termini classici o aulici dove il protagonista, di bassa estrazione sociale, può giocare con la storpiatura del linguaggio ottenendo così un effetto comico e satirico al tempo stesso.

Il tutto è eseguito da un numeroso cast di 26 attori-ballerini guidati e diretti da Enrico Montesano e oltre 18 cambi di scena tutti eseguiti a vista, diventando di fatto dei momenti coreografici dando continuità allo svolgimento del racconto, senza pause, conferendo alla messa in scena scorrevolezza e ritmo.

Foto Antonio Sollazzo

Ci sono opere che superano categorie, confini, steccati; ci sono musiche che fanno parte della memoria di tutti; ci sono racconti che diventano universali, perchè parlano di temi che non hanno tempo, di amicizia, fratellanza, accoglienza, sacrificio in nome degli altri. E lo fanno attraverso la commedia, forse l’arte più difficile da creare e mettere in scena. In questo caso, attraverso la commedia musicale, nata non come “versione italiana” dei musical, ma come esempio di stile che rimanda alla storia, al romanzo popolare, al racconto che affonda le radici nella  narrativa, nella letteratura italiana, insieme ad un’altra arte nella quale il nostro paese è maestro, quella della musica. Uno stile che diventa qualcosa di unico, sorretto da grandi nomi e professionalità: quella premiata ditta Garinei e Giovannini diventata sinonimo di arte, di divertimento che non vuole dire leggerezza, tutt’altro. E’ la commedia vera, quella che ha più livelli di lettura, quella che attraverso l’ironia graffia e dice molte più cose di qualsiasi altro mezzo; è lo sberleffo intelligente, la satira di costume che arriva immediata, ma non per questo non arguta.

Foto Antonio Sollazzo

E quando è così, le opere diventano classici, entrano nel cuore degli spettatori e non vanno più via: come “Aggiungi un posto a tavola”. Quelle note inconfondibili di Armando Trovajoli riportano subito alla memoria un mondo in cui musica, risate, coreografie, ma anche riflessioni e ironia, si fondono. Quel mondo creato da Garinei e Giovannini insieme alla grande Iaia Fiastri e portato al successo da Johnny Dorelli, accanto a nomi (nelle diverse versioni) come Bice Valori, Paolo Panelli, Daniela Goggi, Jenny Tamburi, Carlo Croccolo, Alida Chelli, Riccardo Garrone.

Oggi quel mondo ritorna, grazie a chi in quell’universo teatrale è nato e ne ha appreso regole, tecniche, ma soprattutto ne ha assimilato talento ed emozioni, che riesce a trasferire al pubblico: Gianluca Guidi ricopre il ruolo che Dorelli ha portato al successo, quello di Don Silvestro, e propone questa ripresa teatrale in una tournée approdata per due sere anche al Teatro “Cilea” di Reggio Calabria, nell’ambito della rassegna “Le maschere e i volti”.

Foto Antonio Sollazzo

Una ripresa che introduce solo pochissimi elementi di contemporaneità, lasciando intatto un “meccanismo teatrale” assolutamente perfetto, che non smette di affascinare, coinvolgere, entusiasmare (e non uso troppi termini entusiastici, non avendo mai visto il pubblico del “Cilea”, in genere non facilissimo, in piedi ad acclamare i protagonisti, quasi in delirio).

Fin dalle prime note, dal tema che dà il titolo all’opera, come si diceva, si apre quel mondo di musica e arte che, pur restando immutato, è contemporaneo: lo è nella forma, in quel mix che oggi si torna ad apprezzare come un tempo, con meccanismi che erano innovativi ed evolvono (dalla costruzione in scena dell’arca, alle proiezioni visive per ricreare il diluvio), con le coreografie che erano già avanti quarant’anni fa e lo sono ancora oggi, curate sempre, fin dalla prima edizione, da Gino Landi. E lo è nella sostanza: la storia del prete cui Dio ordina di costruire un’arca, per mettere in salvo il paese in cui vive dal  nuovo diluvio universale, racchiude in sé tanti temi che restano attuali o addirittura eterni. L’amicizia, innanzitutto, che porta Don Silvestro a non voler abbandonare il suo paese, a difenderlo con il proprio sacrificio; l’amore, anche quello che può riguardare un prete ed una giovane, toccando – con apparente leggerezza – il tema del celibato ecclesiastico; il superamento delle differenze, la paura di ciò che non si conosce, di chi giunge da lontano e, dunque, la fratellanza e l’accoglienza, racchiusi in quel titolo che comprende tutto. Ed ecco che, quando sul finale, Dio “arriva in scena” con il sempre sorprendente volo della colomba, la metafora diviene ancora una volta evidente. Pur sotto forma di una commedia brillante, come una volta si definiva un genere che in realtà sapeva dire molto.

Foto Antonio Sollazzo

E lo continua a fare grazie soprattutto al grande talento in scena: a partire, appunto, da Gianluca Guidi, come sempre perfetto, nei tempi, nello stile, nel canto, nel sapere tenere la scena ed interpretare con la propria personalità; e poi un cast di giovani artisti in grado di cimentarsi tra musica e recitazione, coinvolgendo con il pubblico con la loro energia: su tutti, da sottolineare soprattutto la prova di Piero Di Blasio, nei panni di Toto. Ma è la “voce dei Dio”, quella voce fuori campo, così iconica, a ricevere una delle ovazioni più grandi: quella di Enzo Garinei, classe 1926, un autentico mito il cui sguardo si illumina nel fare teatro, nell’osservare i suoi colleghi sul palco, nel condividere ancora questo entusiasmo che il teatro regala e che sa regalare al pubblico.

“Tanos” è uno spettacolo (andato in scena come secondo appuntamento della rassegna di SpazioTeatro), ma anche un viaggio, un percorso, un lungo lavoro realizzato da Stefano Angelucci Marino e Rossella Gesini del Teatro del Sangro (e che ha dato vita a questa co-produzione con il Teatro Stabile d’Abruzzo): un viaggio nell’Argentina degli immigrati italiani, in questo caso provenienti dall’Abruzzo, ma gli echi di un’emigrazione massiccia che ha coinvolto tutto il sud d’Italia si avvertono, in questo testo che è nato dai racconti, dalle richieste di racconto dei tanti emigrati che gli attori hanno incontrato proprio in Argentina. Il desiderio di sentirsi raccontati nel profondo.

Un racconto, quello portato in scena, tra la sofferenza di lasciare i propri paesi, il viaggio in nave, l’arrivo in un luogo immenso, sconosciuto, la “sistemazione”, una vita costruita con fatica, i ricordi di gioventù e un figlio che si sta formando in un paese che dovrebbe dare prospettive e felicità, fino al dramma  - letto attraverso gli occhi di un padre inerme e incredulo e di una madre disperata, ma combattiva – dei desaparecidos.

Il filo dell’emigrazione che lega due popoli, come quel filo che in scena regge due coperte, segno di unione tra due mondi e tra esistenze; una valigia, che un tempo era di cartone e che oggi forse è sostituita dalla valigetta da professionisti, quella di “cervelli in fuga” che varcano l’oceano, oppure dal nulla che tanti migranti portano con loro quando giungono – se giungono – sulle nostre rive: temi che ritornano, emozioni che non ci sono estranee. E che Stefano Angelucci Marino descrive attraverso una scrittura che è “alimentata” da quella di John Fante, già fonte di ispirazione in precedenti lavori dell’autore e regista abruzzese: la comicità, la visione del quotidiano, elementi che servono per portare lo spettatore – attraverso piccoli tocchi, attraverso una struttura che arriva immediata e che porta con sé quella complessità di cui dicevamo – alla visione di un mondo. Un mondo che riflette la vita di una coppia, che abbandona – tra dubbi e paure – una terra incapace di offrire un futuro, affrontando un viaggio in nave fino alla visione di una megalopoli che potrà aprire speranze. Le difficoltà iniziali, la nascita di un figlio, e poi la vita, costruita e vissuta, tra ricordi e realtà.

Immagini di un percorso che  rivive attraverso il ritmo di scene e dialoghi, attraverso l’uso – che ritorna spesso nella produzione del Teatro del Sangro – di maschere e burattini, in questo caso a caratterizzare anche quell’identità, dalla commedia dell’arte alla maschera di Pulcinella, che gli emigrati sentono fortissima; e attraverso l’intensa interpretazione di Stefano Angelucci Marino e Rossella Gesini. Un lavoro di tecnica perfetta e cuore, emozioni che gli italiani in Argentina hanno trasferito loro e che gli attori riescono a trasferire a loro volta agli spettatori, fino all’immagine che chiude lo spettacolo: volti fieri, anche se spaesati o pieni di dolore, quelli delle foto in bianco e nero che gli emigrati spedivano ai loro familiari, foto che restano testimonianze e racconto oltre le parole.

Giorgio Borghetti e Veronica Pivetti (foto Antonio Sollazzo)

Non solo una commedia degli equivoci, o uno spettacolo che “gioca” sull’incontro/scontro uomo-donna, ma soprattutto una riflessione sulla libertà, libertà di espressione e di vivere, di essere sè stessi e amare.

Un canto per la libertà, quello che chiude “Viktor und Viktoria”, lo spettacolo andato in scena con successo, per due sere, al Teatro “Francesco Cilea” di Reggio Calabria (nell’ambito della rassegna “Le maschere e i volti”, promossa dalla Polis Cultura), e che ha visto protagonista una istrionica Veronica Pivetti.

Veronica Pivetti e Yari Gugliucci (foto Antonio Sollazzo)

La commedia diretta da Emanuele Gamba prende le mosse non dal famosissimo film di Blake Edwards “Victor Victoria”, interpretato da Julie Andrews, ma dalla pellicola tedesca di cui era il remake, denominata appunto “Viktor und Viktoria”.

Una storia un po’ diversa rispetto alla riduzione americana, con cui ha in comune  più che altro la storia dell’artista che si finge uomo che si traveste in scena da donna e l’incontro con un uomo, che stravolgerà la sua vita: il resto differisce, a partire dall’ambientazione, che è quella della Berlino della Repubblica di Weimar, nel ’33. E, soprattutto nella seconda parte, la storia punta proprio l’accento sulla libertà, sul superamento dei pregiudizi, la possibilità di vivere, il proprio essere ed anche la propria identità sessuale, alla luce del sole.

Un momento dello spettacolo (foto Antonio Sollazzo)

Proprio nella seconda parte la pièce si delinea maggiormente, mentre nella prima, forse meno incisiva, lo spazio è lasciato più alle scene sullo scambio di identità e sulla ricerca di lavoro e di successo da parte dell’artista. Avrebbe giovato sicuramente anche una maggiore sfaccettatura dei personaggi; tuttavia, lo spettacolo, costruito con un buon ritmo, offre un interessante mix tra canzoni e racconto che dà modo di apprezzare la versatilità degli interpreti: oltre a Veronica Pivetti, Giorgio Borghetti, Pia Engleberth, Roberta Cartocci, Nicola Sorrenti e Yari Gugliucci, che, nel ruolo di Viktor (l’amico che induce la protagonista a diventare Viktor-Viktoria), trascina il pubblico con la sua forza comica e la sua ironia.

Da sottolineare, poi, nella costruzione di un’accattivante e ritmata commedia, le bellissime luci di  Alessandro Verazzi  e le scene di Alessandro Chiti.

E la stagione si apre con uno spettacolo molto atteso, ovvero il nuovo lavoro di Tino Caspanello, “Blues”. L’autore siciliano torna per la quarta volta a Reggio, sempre nell’ambito di una stagione di SpazioTeatro, proponendo un’opera che prosegue il suo percorso nell’indagine sull’animo umano in relazione alla società e soprattutto sul lavoro sul testo, sulla drammaturgia. Un lavoro intenso che, come lo stesso Caspanello afferma, è imprescindibile, anche oggi, anche nel teatro contemporaneo, se si vuole essere contemporanei ed andare oltre o comunque non fermarsi alla performance. Il testo come imprescindibile componente del teatro, come punto di partenza per la creazione di un linguaggio, intendendo con questo termine, naturalmente, anche il linguaggio scenico. Ovvero i non detti, i silenzi, le pause che fanno parte di quel testo. E del teatro di Caspanello, che si interroga sul tempo, che si riappropria del tempo, dilatandolo, fermandolo, affinchè anche quel momento sia luogo e spazio per la riflessione.

Un sentire che diviene una caratteristica dell’opera dell’autore siciliano e che in questo nuovo spettacolo si riafferma: nella storia del protagonista, un uomo la cui vita trascorre guardando i treni che passano davanti alla sua casa, aspettandoli come se guardarli fosse un dovere, un lavoro, preparandosi con cura, rassettando la stanza ed annotando su un quaderno gli arrivi, le “uscite”, gli orari, i ritardi. Come avevano fatto i suoi genitori prima di lui. Come se non esistesse altra vita. Finchè un treno si ferma inaspettatamente e il protagonista inizia un colloquio con una passeggera, mediato da un finestrino che non si apre, così come le porte del treno. Schermi che si frappongono nella comunicazione, metafora dell’incomunicabilità e dell’alienazione di oggi: ma che vengono infranti da un sentimento che sembra nascere, mettendo in discussione una vita in cui la relazione con l’altro era inesistente.

Uno spettacolo in cui il tempo, prima dilatato, poi reale ma sfuggente, si riflette nella percezione dello spettatore, lo trasporta nella vita del protagonista,  grazie anche ad un intenso Francesco Biolchini che, attraverso i concetti che passano prima dall’espressività dello sguardo, ci conduce nella trasformazione dell’uomo e, chissà, forse nella sua nuova vita.

Il tempo, dunque. Ed il testo, come elemento cardine nella costruzione di un’opera teatrale: lo rimarca più volte Caspanello, incontrando il pubblico nel consueto momento post-spettacolo. “Blues” è nato dall’idea, dalla richiesta di Biolchini all’autore di un monologo da portare in scena. E Caspanello ha scelto di dare forma ad un testo sul tempo e sulla solitudine. “Sono molto legato al testo, sono in questo senso un drammaturgo puro. Occorre restituire una dignità letteraria al testo teatrale, in Italia ce ne siamo dimenticati. L’abbiamo relegato in un angolino e dobbiamo restituirgli la dignità che merita”. Testo inteso come linguaggio, letterarietà che ricomprende anche il linguaggio scenico, si diceva. Come nel caso di “Blues”, in cui si sentono gli echi di elementi artistici che concorrono alla creazione della drammaturgia: da Hopper a Tennesse Willliams, i rimandi sono tanti, anche nella scena, creata da Cinzia Muscolino come non definita totalmente, come la vita del protagonista.

“Blues – aggiunge Caspanello – è una riflessione sull’incomunicabilità, sull’alienazione. In questa situazione, il protagonista vive, ci sta bene, ma quando incontra l’altro, incontra un tramite affinchè possa capire”. Una riflessione che, ribadisce, parte dalla scrittura, elemento fondamentale del teatro di Caspanello: “lavoro sulla lingua, ma anche sul tempo. Occorre riappropriarci del tempo, il teatro ci dà questa possibilità, attraverso l’opera”. E sottolinea, poi, questa scelta doverosa di recupero dell’essenzialità del testo e del prendersi il tempo per costruirlo, in un momento in cui, nel teatro odierno, prevale la tendenza a dover produrre per forza qualcosa o a dover far prevalere la performance.

Un aspetto che per Caspanello è fondamentale, tanto da aver creato a Mandanici, in provincia di Messina, una residenza teatrale dedicata alla drammaturgia, quel progetto “Write” che ha appena ricevuto il riconoscimento del premio dell’Associazione nazionale critici di teatro. 

Accanto a Veronica Pivetti, Giorgio Borghetti, Yari Gugliucci, Pia Engleberth, Roberta Cartocci e Nicola Sorrenti, diretti da Emanuele Gamba.

“Il mondo dello spettacolo non è sempre scintillante e quando la crisi colpisce anche gli artisti devono aguzzare l’ingegno. Ecco allora che Viktoria, talentuosa cantante disoccupata, si finge Viktor e conquista le platee… ma il suo fascino androgino scatenerà presto curiosità e sospetti. Tra battute di spirito e divertenti equivoci si legge la critica ad una società bigotta e superficiale (la nostra?) sempre pronta a giudicare dalle apparenze.

L’opera Viktor und Viktoria che vedrà protagonista Veronica Pivetti non si rifà al film di Blake Edwards dell’82 che tutti ricordiamo con Julie Andrews, ma alla pellicola originale di Reinhold Schunzel del ’33, ambientata nella Berlino della Repubblica di Weimar”. Vestirà i panni di Viktoria Weber, talentuosa, intraprendente quanto sfortunata soprano alla disperata ricerca di una scrittura per arrivare a fine mese. Fra un provino e un altro, la donna conosce Viktor, attore, cantante che, all’occasione, può diventare ballerina e soubrette. E’ così che, un po’ per caso e un po’ per necessità, Victoria si ritrova a dover sostituire Victor ammalato e, tra gag e canzoni, eccola in palcoscenico presentata come ”il nobile tedesco Viktor Von Weber, il più grande e stupefacente en travesti del secolo”. Una storia piena di qui pro quo, cambi di sesso, scambi di persona e ricca di intrecci sentimentali senza esclusione di colpi”.

L’incontro, si è posto l’obiettivo del confronto intorno alla importanza della pedagogia teatrale, e della conseguente formazione utile alla crescita degli adolescenti. L’idea, totalmente abbracciata dal dirigente scolastico Massimo Ciglio, ha messo in luce informazioni, studi, ricerca, pedagogia, ha inoltre inteso porre interrogativi circa progettualità, normative, ed ha indagato, restando coerenti al percorso di Progetto Cresco, sul rapporto Miur e Mibact a proposito dell’identità del formatore, sul valore, e sulla ricaduta dello stesso sull’intero territorio. Un compito arduo, se si pensa che tale figura debba essere individuata secondo titoli, ma anche secondo esperienza e vocazione, e rientra nel mondo del patrimonio immateriale.

A coordinare l’evento, Ester Tatangelo, direttrice artistica di Hermit Crab e promotrice Cresco Calabria, la quale ha introdotto la giornata con particolare entusiasmo. È seguito il discorso sulla bellezza, di Margarete Assmuth,   docente e pedagoga Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano da cui si è estratto un frammento di manifesto del convegno. “I ragazzi che vengono dai licei sono in apnea – ha affermato in video conferenza – l’amore chiude la paura di non farcela, la paura di essere umiliati. È compito degli insegnanti stare accanto ai ragazzi. Altamente controproducente alimentare la minaccia. L’Italia, la democrazia hanno oggi  bisogno di pedagoghi”. Il teatro, quindi, come ritorno alla realtà e alla consapevolezza, non solo creatività e fantasia, perché il teatro aiuta a liberare se stessi. Restando sul piano della consapevolezza che restituisce la pratica teatrale, trasmessa dagli esperti, Maria Grazia Bisurgi, attrice di Cresco Calabria e di Con i miei occhi, ha riportato una particolare esperienza formativa, artistica e umana. “Dal 2014 Con i miei occhi ha portato avanti una esperienza di alta formazione con Merry Conway, sulla figura del clown, con la quale ha indagato sulla poetica del fallimento”.

Ma Progetto Cresco, con i suoi tavoli tematici, ed il suo essere versatile, nutre uno sguardo ampio, non si arresta alla formazione fine a se stessa ma crea, studia, elabora nuovi percorsi e visioni, per far si che il Ministero possa venire incontro, con norme e leggi adeguate, a tutte le esigenze degli operatori teatrali. Il presupposto di Cresco, dunque, è di avviare un dialogo condiviso, forte, e persuasivo. “Cresco si occupa da sempre delle questioni teoriche portate avanti dalla scena contemporanea – dice Hilenia De Falco, del Direttivo Cresco Nazionale, tavolo formazione – Si è interfacciato con il Miur, per un dialogo fra il mondo della scuola e il mondo del teatro, perciò è necessario un processo partecipato”. Saremo a Milano,  per il tavolo di lavoro con Astra e Assitej, due soggetti di livello nazionale che si occupano di formazione e di teatro ragazzi, con l’obiettivo di fornire al Miur elementi utili a definire l’identità del formatore teatrale. “Abbiamo una priorità condivisa – aggiunge Hilenia De Falco, che fra le altre cose fa parte anche di Interno 5 Napoli – il riconoscimento del valore della professionalità”.

Quando si indaga su formazione, pedagogia, e teatro, il dibattito critico non può tralasciare la responsabilità della scuola nel formulare progetti validi, escludendo cosi il mondo dilettante, cioè l’amatoriale. A quanto pare, purtroppo, il Miur tende a dare man forte alla Fita (teatro amatoriale). Cresco, intende mettere dei paletti, al riguardo, con un regolamento, che presenti particolari requisiti. Da ultimo, la definizione della figura del formatore porterà all’istituzione di un albo. Restando nell’ottica della rilevanza dell’esperto quale formatore, Dario Natale attore e regista di Cresco Calabria, e di Scenari Visibili – Tip Teatro aggiunge “Stiamo assistendo a un processo di mercificazione, con stagioni di teatro amatoriale, con prevalenza di quantità e non di qualità. Provengo da una formazione molto lunga, fatta di quadernoni, esercizi, appunti, ma oggi cerco la destrutturazione. Questa fase mi è servita per impastarla non solo con la mia esperienza personale ma anche con quella formativa”.

“Dopo circa due anni (riforma della cosiddetta Buona Scuola legge 107 del 13 luglio 2015) – si legge nella nota inviata da Andrea Naso attore e regista di Cresco Calabria e Dracma Teatro – arriva l’altro provvedimento legislativo definitivo ovvero il Decreto legislativo  n° 60 del 13 aprile 2017 che, dopo tutte le meravigliose premesse indicate nella Buona Scuola e ribadite in questa sede, regolamenta in parte gli obiettivi e le modalità attuative  demandando però l’applicazione genericamente all’autonomia scolastica, dunque ai dirigenti”. E sempre con riferimento all’accordo Miur – Fita Naso ha aggiunto ” Se il legislatore insomma , con il coinvolgimento di MIBACT e MIUR, pensava di fare un passo anche rivoluzionario se vogliamo, promuovendo ed inserendo il teatro nelle scuole, in realtà e in questa fattispecie, tutta italiana, si ritorna indietro di un secolo.  Capita sempre più spesso di accingerci a presentare domanda per un laboratorio teatrale PON all’interno di una scuola e ci accorgiamo che i titoli e requisiti richiesti nel bando non sono più specifici e pertinenti all’attività teatrale o alla regia ma addirittura risultano calzanti ai docenti stessi interni all’istituto (abilitazione all’insegnamento, pubblicazioni, patente europea per il computer, laurea generica,etc). In questo contesto mortificante e miope dobbiamo dire dunque che l’accordo MIUR-FITA non è più un cattivo inizio ma un tragico risultato”.

Coltivare Teatro, ha rappresentato la spinta ad una ulteriore messa in campo, volta ad unire intenti comuni, storia e tradizione. Presente al tavolo anche Maria Rosaria Lo Monacodi Otis, Oltreiconfini il Teatro incontra la scuola. “Oltre alla recita c’è una ricerca su cui portare avanti il discorso teatrale – ha detto – il teatro c’è sempre stato a scuola”. A rivestire senso politico e impegno istituzionale, l’incontro con Maria Francesca Corigliano, Assessore alla Cultura della Regione Calabria. “Abbiamo investito i fondi Por interamente sulla sicurezza nelle scuola – ha affermato l’assessore che in passato ha rivestito il ruolo di docente – con 400 progetti in fase di attuazione. Nella dimensione immateriale i fondi Por sono destinati alla dispersione scolastica (5 milioni su orientamento e 7 milioni su disperazione). È importante una visione olistica laddove la formazione ricada anche sul docente. Attualmente abbiamo investito 945 mila euro di fondi Pac per la produzione. Cercheremo di privilegiare i progetti per formazione sulla legge 27”.

A fornire un ulteriore approccio pedagogico, Vincenza Costantino ricercatrice e docente “I dirigenti commettono una pecca, quando entra l’esperto di teatro si aspettano subito lo spettacolo. Servono due fonti di conoscenza. Pratica teatrale e pratica teorica. Gli esperti però non devo entrare nelle scuole perché non sono, altrimenti, riusciti a realizzarsi artisticamente”. A dare l’esempio di esperto formatore, al di là di copioni imparati a memoria, come hanno attestato le video interviste dei ragazzi, Massimo Zordan attore e regista della Scuola d’Italia G. Marconi di New York “Lo stesso esercizio lo applico, in modo diverso, a più classi. Porto avanti il teatro della creatività e il teatro dell’oppresso – ha detto Zordan – È importante il giusto approccio alla scoperta senza ostentare soluzioni o saperi”.

Il convegno si è concluso con una tavola rotonda, mediante riflessioni condivise da parte di alcuni studenti, e attori. Fra questi anche Dario De Luca di Scena Verticale che ha parlato di coraggio da parte degli esperti nell’affrontare un testo apparentemente difficile. I saluti e le riflessioni anche da parte di Dora Ricca, fresca insieme al Teatro dell’Acquario di Premio Ubu alla Carriera, che ha rimesso in discussione il ruolo dell’attore, partendo da una forte tradizione, e dalla memoria, necessaria al presente. Cresco Calabria si ritiene soddisfatto del risultato raggiunto, e si propone già nuovi percorsi da seguire insieme, oltre a nuovi argomenti da portare ai tavoli istituzionali regionali. Presenti anche TeatroP, Teatro del Carro, Teatro Primo, Confine Incerto, Spazio Teatro,  Dracma Teatro,  Piccola Compagnia Palazzo Tavoli Compagnie promotrici di Cresco Calabria”.

“Carlo Buccirosso

In un classico commissariato di provincia, il vice questore Armando Piscitelli, conduce da sempre il proprio lavoro nel rispetto del più integerrimo rigore, con la consapevolezza di svolgere le mansioni di garante dell’ordine pubblico e difesa della sicurezza del cittadino con la tenacia e la fede di un missionario, inviato dal cielo esclusivamente per ripulire la terra dalle nefandezze degli uomini scellerati che minacciano la gente cristiana che vorrebbe condurre in pace una vita serena.

Fortemente sarcastico e con la battuta sempre pronta nei confronti dei colleghi, Piscitelli conduce il proprio lavoro con tenacia. Nella commedia, spicca un cast di eccellenti attori come Gino Monteleone, Peppe Miale, Monica Assante di Tatisso, Elvira Zingone, Claudiafederica Petrella, Giordano Bassetti, Fiorella Zullo e Matteo Tugnoli, tutti ottime spalle del mattatore Buccirosso.

In scena anche Gennaro Silvestro (già apprezzato in tv ne I bastardi di Pizzofalcone), che dà il volto al cattivo Michele Donnarumma. Un delinquente anch’egli dalla battuta pronta e a tratti davvero inquietante, il quale è di fatto il solo che metterà in pericolo la salda morale di Piscitelli.

Donnarumma finirà per “stressare” a tal punto il vice questore che quest’ultimo cercherà conforto negli affetti familiari, trovando rifugio tra le mura sicure della propria casa di montagna, dove ad attenderlo con ansia ci saranno suo padre Marcello, ex colonnello dell’esercito affetto da Alzheimer; Gina, la sua bisbetica badante rumena; e la suadente professoressa Cuccurullo, che con stravagante follia, degna della più classica struttura psichiatrica, contribuiranno a far vacillare definitivamente le sicurezze e i sacri comandamenti di Piscitelli.

Ma come nella più classica e scontata sceneggiatura di una trama thriller, neppure il tepore di un sicuro nascondiglio di montagna potrà sottrarre lo spettatore e il povero vice questore dal più classico, ma si spera imprevedibile, colpo di scena finale”.

Appuntamento della programmazione della VII edizione della “Giornata nazionale dell’Attore – Festival d’azione performativa”, dedicato alla memoria di Pino Michienzi, organizzata dalla Compagnia Teatro del Carro. La manifestazione si prefigge di essere una piccola rete di teatri e di città, ed è realizzata con il patrocinio ed in partenariato delle città di Soverato, Catanzaro, Badolato, Chiaravalle, ed il Teatro Politeama Mario Foglietti e il Teatro del Grillo di Soverato.

“Pitecus” ha come protagonista in scena Antonio Rezza, con quadri di scena di Flavia Mastrella.

E’ uno spettacolo che analizza il rapporto tra l’uomo e le sue perversioni: laureati, sfaticati, giovani e disperati alla ricerca di un occasione che ne accresca le tasche e la fama, pluridecorati alla moralità che speculano sulle disgrazie altrui, vecchi in cerca di un’identità che li aiuti ad ammazzare il tempo prima che il tempo ammazzi loro, persone che tirano avanti una vita ormai abitudinaria, individui che vendono il proprio corpo in cambio di un benessere puramente materiale, esseri che viaggiano per arricchire competenze culturali esteriori e superficiali.

Racconta storie di tanti personaggi, un andirivieni di gente che vive in un microcosmo disordinato: stracci di realtà si susseguono senza filo conduttore, sublimi cattiverie rendono comici ed aggressivi anche argomenti delicati. Non esistono rappresentazioni positive, ognuno si accontenta, tutti si sentono vittime, lavorano per nascondersi, comprano sentimenti e dignità, non amano, creano piattume e disservizio.

I personaggi sono brutti somaticamente e interiormente, sprigionano qualunquismo a pieni pori, sprofondano nell’anonimato ma, grazie al loro narcisismo, sono convinti di essere originali, contemporanei e, nei casi più sfacciati, avanguardisti. Parlano un dialetto misto, sono molto colorati, si muovono nervosi e, attraverso la recitazione, assumono forme mitiche e caricaturali, quasi fumettistiche.

Lo spettacolo è spregiudicatamente comico, tagliente e irriverente; Rezza è il più grande performer italiano”.

Il 21 dicembre alle 18 la Sala Canyon Inverso del Tip aprirà la mostra “Simboli di rischio chimico”, disegni e opere a cura di Miles (Simone Miletta).  L’autore, di Vibo Valentia, vive a Firenze dove opera costantemente nelle varie discipline delle Arti Visive. In questa ricerca indaga sul “Rapporto fra uomo e animale, ciò che era e ciò che è oggi, analizzando e disegnando i contorni di un fenomeno sociale legato all’ istinto, che lentamente viene divorato dal mostro digitale e da false comunicazioni, chiaramente governate dalla cultura dell’immagine. Un’Indagine visiva attraverso l’arte figurativa dove l’uomo diventa animale e viceversa, incarnando oggettivamente il rifiuto di ciò che siamo realmente”. La mostra sarà visitabile fino al 20 gennaio. Miles,  scultore, pittore, e treet artist, nei giorni precedenti realizzerà un murales esterno al palazzo del Tip.

Il 22 dicembre alle 21 ritorna la musica con “Glorius4 in concerto”, un inconsueto ensemble al femminile che spazia dal jazz al pop, con la cura delle sonorità vocali e degli arrangiamenti, arricchite da eclettica Sicilianita’. La formazione è costituita da Cecilia Foti,  Agnese Carrubba, Federica d’Andrea, Mariachiara Millimaggi. Ancora musica, nel giorno di Santo Stefano, il 26 dicembre alle 21 “Suite of the nine mountains” il progetto speciale di Giorgio Caporale (Chitarra).  “Un viaggio, un lavoro costruito strada facendo. È una sorta di autobiografia circoscritta, che si riflette col presente”. Si conclude il 30 dicembre, con la “Biblioteca vivente, don’t judge a book by its cover” a cura del Collettivo Manifest. Tanti libri viventi da raccontare, da spogliare di pregiudizi e stereotipi. (Per saperne di più info@manifestblog.it). Il 4 e il 5 gennaio l’atteso “H2io” nuova produzione di Scenari Visibili, spettacolo che ha debuttato a Caserta al Teatro Civico 14 lo scorso novembre, e che vede in scena Dario Natale.